Exposición “Modernismo nigeriano” en Tate Modern

Foto: Tate Photography (Jai Monaghan)

Tate Modern presenta, hasta el 10 de mayo de 2026, la primera exposición en el Reino Unido que traza el desarrollo del arte moderno en Nigeria . Abarcando un período desde el gobierno colonial indirecto hasta la independencia nacional y más allá, el modernismo nigeriano celebra una red internacional de artistas que combinan las tradiciones africanas y europeas, creando un legado artístico vibrante. La exposición presentará el trabajo de más de 50 artistas a lo largo de 50 años, desde Ben Enwonwu hasta El Anatsui . Cada uno de ellos respondió al cambiante panorama político y social de Nigeria desafiando suposiciones e imaginando nuevos futuros, recuperando las tradiciones indígenas para crear una nueva visión africana del modernismo. Con más de 250 obras, que incluyen pintura, escultura, textiles, cerámica y obras en papel de instituciones y colecciones privadas de África, Europa y los EE. UU., ofrece una oportunidad única de encontrarse con las fuerzas creativas que revolucionaron el arte moderno en Nigeria.

Foto: Tate Photography (Jai Monaghan)

La exposición comenzará en la década de 1940, en medio de los llamados a la descolonización en toda África y su diáspora. Con el sistema educativo nigeriano bajo el gobierno británico, muchos artistas se formaron en Gran Bretaña, adoptando técnicas artísticas europeas y presenciando la fijación del modernismo occidental en el arte africano. El equilibrio entre las tradiciones indígenas de Nigeria, las realidades coloniales y los llamados a la independencia fue evidente en las prácticas de los artistas, muchos de los cuales se involucraron en la educación y la reforma artística. Aina Onabolu fue pionera en nuevos retratos figurativos de figuras de la sociedad de Lagos, mientras que Akinola Lasekan representó escenas de leyendas e historia yoruba. Artistas mundialmente reconocidos de la época, Ben Enwonwu y Ladi Kwali, combinaron su formación occidental con las tradiciones de las artes visuales nigerianas. Basándose en su conocimiento de la escultura igbo, Enwonwu adaptó su educación en la Escuela Slade para celebrar la belleza de la cultura negra y africana. Mientras tanto, Kwali, que se formó con el alfarero británico Michael Cardew en el Centro de Formación en Cerámica de Abuja, desarrolló un nuevo estilo de arte cerámico que sintetizaba las técnicas tradicionales de Gwarri y la cerámica de estudio europea.

Foto: Tate Photography (Jai Monaghan)

La independencia nacional el 1 de octubre de 1960 inspiró un sentido de optimismo en todo el país, con grupos artísticos creando arte para una nueva nación. La exposición analizará el legado de la Zaria Arts Society, cuyos miembros incluían a Uche Okeke, Demas Nwoko , Yusuf Grillo, Bruce Onobrakpeya y Jimo Akolo . Alentados por maestros como Clara Etso Ugbodaga-Ngu , desarrollaron estilos creativos independientes centrados en un concepto de "Síntesis Natural", fusionando formas indígenas con expresión moderna. En la década de 1960, en medio de un auge económico, Lagos se convirtió en un centro cultural dinámico, inspirando arquitectura modernista tropical, encargos de arte público y clubes nocturnos llenos de música Highlife. Mientras tanto, en Ibadan, el Mbari Artists' and Writers' Club fundado por el editor alemán Ulli Beier, ofrecía un espacio discursivo dirigido por un grupo internacional de artistas, escritores y dramaturgos, entre ellos Chinua Achebe , Wole Soyinka y Malangatana Ngwenya. El Mbari Club estuvo estrechamente asociado con la influyente revista modernista panafricana Black Orpheus , que se exhibirá en la Tate Modern.

Foto: Tate Photography (Jai Monaghan)

Durante este período, muchos artistas reflexionaron sobre el rico patrimonio cultural y religioso de Nigeria, hogar de más de 250 grupos étnicos. A finales de la década de 1950 surgió el Movimiento del Nuevo Arte Sacro, fundado por la artista austriaca Susanne Wenger, quien se inspiró en las deidades y creencias yoruba para explorar el poder ritual del arte. El grupo lideró la restauración de la Arboleda Sagrada de Osun-Osogbo, donde antiguos santuarios estaban adornados con esculturas y tallas de cemento. Paralelamente, la Escuela de Arte de Oshogbo surgió de una serie de influyentes talleres en el Popular Bar de Duro Ladipo, ofreciendo un espacio para la experimentación entre artistas e intérpretes sin formación, como Nike Davies-Okundaye, Jacob Afolabi y Twins Seven Seven, quienes exploraron la identidad cultural yoruba y las mitologías personales en su obra.

Foto: Tate Photography (Jai Monaghan)

El estallido de la Guerra Civil de Nigeria en 1967 provocó una crisis cultural y política para muchos artistas. El sentimiento de optimismo y unidad posterior a la independencia dio paso a la división y, posteriormente, al deseo de reconectar a los diversos grupos étnicos de Nigeria. La exposición se centrará en el resurgimiento de los "uli", diseños lineales igbo que pueden ser decorativos o representar elementos naturales y objetos cotidianos. Históricamente transmitidos de generación en generación entre mujeres, artistas como Uche Okeke, quien heredó este conocimiento de su madre, y artistas de la Escuela de Arte Nsukka, como Obiora Udechukwu, Tayo Adenaike y Ndidi Dike, adaptaron este lenguaje visual como una forma de arte modernista, recuperando un elemento de la cultura ancestral y reflexionando sobre las luchas del conflicto durante la Guerra Civil de Nigeria.

La exposición finalizará con un enfoque en Uzo Egonu, explorando cómo los artistas de finales del siglo XX comenzaron a responder a las identidades globales nigerianas. Residente en Gran Bretaña desde la década de 1940, la obra de Egonu se inspiró en su perspectiva como expatriado, creando obras imbuidas de recuerdos de su infancia y sentimientos de nostalgia, así como de su respuesta a la actualidad, observada desde el extranjero. La exposición reunirá las pinturas de Egonu " Personas sin Estado" , la primera vez que estas obras se reúnen en 40 años. Iniciada en 1980, la serie reflexiona sobre cuestiones de nacionalidad e identidad cultural. Representando una sola figura en cada pintura —un músico, artista y escritor—, Egonu representa la creciente visibilidad de la diáspora nigeriana en todo el mundo. La serie resume la tensión entre la identidad nacional y la independencia artística que forjó la historia del arte moderno nigeriano.

Artistas participantes: Jonathan Adagogo Green, Tayo Adenaike, Jacob Afolabi, Adebisi Akanji, Justus D. Akeredolu, Jimo Akolo, El Anatsui, Chike C. Aniakor, Abayomi Barber, Georgina Beier, Alexander “Skunder” Boghossian, Jimoh Buraimoh, Avinash Chandra, Nike Davies-Okundaye, Ndidi Dike, Uzo Egonu, Ibrahim El-Salahi, Afi Ekong, Erhabor Emokpae, Ben Enwonwu, Sir Jacob Epstein, Clara Etso Ugbodaga-Ngu, Okpu Eze, Adebisi Fabunmi, Agboola Folarin, Buraimoh Gbadamosi, Sàngódáre Gbádégesin Àjàlá, Yusuf Grillo, Felix Idubor, Solomon Irein Wangboje, Ladi Kwali, Akinola Lasekan, Jacob Lawrence, Valente Malangatana, Naoko Matsubara, Demas Nwoko, Olu Oguibe, Rufus Ogundele, JD Ojeikere, Emmanuel Okechukwu Odita, Simon Okeke, Uche Okeke, Olowe de Ise, Asiru Olatunde, Lamidi Olonade Fakeye, Oseloka Okwudili Osadebe, Aina Onabolu, Bruce Onobrakpeya, Ben Osawe, Muraina Oyelami, Ru van Rossem, Karl Schmidt-Rottluff, Gerard Sekoto, Twins Seven Seven, Ahmad Shibrain, FN Souza, Ada Udechukwu, Obiora Udechukwu, Etso Clara Ugbodaga-Ngu y Susanne Wenger.